la semaine artistique de Deilhade

Bonjour à toutes et à tous.

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Cette semaine, je vous propose quelques artistes, contemporains ou passés.

Aujourd’hui, l’envie m’a pris de commencer en vous mettant en lumière un artiste coréen, Kim Jung Gi, dessinateur de son état.

Kim Jung Gi est né en 1975 à Séoul, en Corée du Sud.

Kim possède cette capacité rare et étonnante consistant à pouvoir mémoriser tout ce qu’il voit, et à le restituer sous forme de dessin, et ce sans aucune aide visuelle.
Que ce soit un croquis sur un coin de table ou une fresque de plusieurs mètres, il dessine ainsi sans aucun travail préparatoire ni trait de construction. Son organisation de l’espace et des plans est parfaite, ainsi que sa connaissance de l’anatomie.

« Devant la feuille blanche, je ne sais pas ce que je vais dessiner [...] Je me laisse guider par l'instinct ».

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Bien qu’il s’inscrive dans une tradition du dessin qui a beaucoup à voir avec l’occident, il parvient néanmoins à exprimer magnifiquement tout le génie de sa culture orientale.

S’il fallait le résumer en un mot, on pourrait parler de « la quête de la perfection du trait ». Très oriental, comme approche…. Soit :

-Aucune frioriture. Son art est épuré au maximum : un pinceau, un papier, et de l’encre de chine… Point barre. Aucun matériel particulièrement sophistiqué, aucun artifice technologique.

Juste : « le traît ».

Exécuté en un coup. Pas de repentir. Pas de retouches possibles.
Parce qu’ainsi, le traît conserve toute sa fraicheur première. Il doit, à lui seul, contenir et faire se déployer tout un monde.

Dans sa démarche, on sent qu’il ne cherche pas à réinventer la poudre… Aucune arrogance, aucune velléité révolutionnaire…

La répétition du même geste, encore et toujours, inlassablement, besogneusement, jusqu’à se rapprocher de la perfection.

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Pour celles et ceux qui souhaiteraient en voir plus, des vidéos de ses nombreuses démonstrations spectaculaires sont disponibles sur youtube. Ex :
https://www.youtube.com/watch?v=MGbvhyTZXfs

Son site :
https://www.kimjunggi.net/fr/

Bonjour à toutes et à tous.

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Ce mardi, je souhaitais que nous nous arrêtions un instant sur un classique : Edouard Manet (Pour celles et ceux qui habitent sur Paris, Orsay organise de temps à autres des rétrospectives sur lui).

Il persiste, chez cet homme, un paradoxe tout à fait passionnant. Considéré comme l’un des fondateurs de l’impressionnisme, son style, sa facture, reste pourtant d’un classicisme pur et dur.

Mais alors, pour quelle raison est-il, malgré tout, considéré comme un impressionniste ?



Pour l’expliquer, il nous faut rapidement esquisser le contexte…

Nous sommes en plein XIXème, sous Napoléon 3. La bourgeoisie vient de supplanter la noblesse.
Elle est finalement parvenue à s’imposer comme étant désormais « LA» classe dominante. A l’instar d’un Cézanne, Edouard appartient à cette bourgeoisie d’affaire triomphante (essentiellement parisienne et girondine ) constituée de notables, banquiers, hauts-fonctionnaires, hommes d’affaires, etc…

A l’époque de Manet, cette dernière veut se revêtir des anciens atours de la noblesse chevaleresque. Après avoir détrôné son concurrent historique, cette nouvelle classe voulait alors s’anoblir, afin de s’en arroger le prestige, la morale, la spiritualité, etc… Ce qui, comme toute forme d’arrivisme, ne s’est pas fait sans une certaine forme de grotesque, caricatural.

Une hypocrisie qui a, à l’époque, engendré de nombreux mouvements contestataires, qu’ils soient politiques, artistiques, ou littéraires. Balzac en a même fait le point cardinal de son œuvre, l’intitulant : « la comédie humaine ».

Bref, l’art officiel de cette époque se devait donc d’affirmer cette omnipotence. Il était ainsi rempli de dieux surpuissants, et de déesses nues alanguies. Il était si « pompeux », qu’on a même fini par l’appeler «l’art pompier» ! Mais comme il s’agissait de déesses, les conventions étaient respectées…

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Les impressionnistes tournèrent le dos à ces codifications sociales. Ce qui revenait à balancer leur carrière aux orties... Mais qu’importe, ils l’ont fait.
Au diable les Zeus, les Vénus, et les généraux d’armées triomphants. Ils se mirent à peindre des sujets iconoclastes, des sujets ouvertement méprisés par l’arrogance de classe bourgeoise.

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Un jeune couple s’aimant, de simples serveuses épuisées par leur travail, des mamans, des femmes servantes noires, des prostituées… Sous leurs pinceaux, peints avec une infinie tendresse, ces sujets redevenaient humains, respectables, touchants… Bref, un scandale absolu pour le «tout-Paris» de l’époque.

Manet Futures l’un des fers de lance de ce mouvement contestataire. C’est, et pour faire vraiment très court, en ce sens qu’il Futures un « impressionniste».

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Bonjour à toutes et à tous.

Monet avait le même problème que Vermeer : la lumière.
(Pour celles ou ceux qui le souhaiteraient, j’ai écris sur Vermeer un article plus fourni dans le Forum « arts et loisirs »).

A ceci près que les deux hommes s’y prirent très différemment pour étudier ces phénomènes. Et c’est là où ça devient intéressant. Car si l’objectif reste le même, la méthode diffère totalement… Et pourtant, les deux fonctionnent à merveille !

- Vermeer travaillait en atelier, avec la chambra obscura. Monet, lui, a bénéficié de l’invention des tubes de peintures, ce qui lui a permis de sortir observer ça « in vivo ».
- Vermeer a produit tout au plus une quarantaine de toile. Chaque œuvre visait la perfection en elle-même. A la différence de Monet, qui a peint une nombre astronomique de peintures, et dont la qualité propre de chacune d’entre elles pouvait varier. Mais là n’était pas son problème. C’est sa démarche, elle, qui était juste parfaite.

La chambre obscure est l’ancêtre de l’appareil photo. Il a fallut attendre le XIXème pour voir apparaître les premiers daguerréotypes, qui sont par ailleurs contemporains de l’époque dans laquelle Monet a vécu. Néanmoins, et bien que les premiers résultats de Niépce et de Daguerre soient à couper le souffle, la peinture restait l’outil (ou le médium) le plus pointu de l’époque, et ce afin de retranscrire les divers phénomènes de diffraction chromatique.

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Il fallait donc sortir, avec tout son barda sur le dos, et enchaîner les toiles à vitesse grand V. En effet, une lumière extérieure pouvait varier d’une heure à l’autre.
Pour les saisir au mieux avec les moyens de l’époque, il n’y avait pas d’autres possibilités que de prendre plusieurs toiles, focalisées autour du même motif, et que l’on alternait en fonction de chaque période du jour ainsi que de la météo.

Puisqu’il n’y avait en ce temps ni appareil photo numérique ni Photoshop, ils devaient « saisir » une lumière éphémère au vol, et la retranscrire picturalement. Il ne fallait donc pas avoir peur de rater des toiles, ou de les laisser inachevées.

De même, impossible de garder une facture classique, au coup de pinceau léché. La lumière, c’est l’arc-en-ciel. Soit la prise de conscience du fait qu’une couleur n’existe pas en elle-même, mais bien au contraire qu’elle fait partie d’un tout; qu’elle n’existe que par rapport à une autre : les complémentaires.

Pour ce faire, il fallut décomposer la touche, et exacerber les couleurs restées ternes si longtemps.

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Monet est souvent rattaché à la peinture de paysage. Mais je ne crois pas trop m’avancer en disant que ce sujet était totalement secondaire pour lui.
Pour finir, voici le tableau qui a, ironiquement, donné aux impressionnistes leur nom « impression, soleil levant ». Tableau qui, en soit, tend à prouver à quel point Monet n’était pas un peintre de paysage, mais bel et bien un peintre de la lumière.

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Bonjour à toutes et à tous.

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Kentaro Miura nous a quitté ce mois-ci. Il est mort à 54 ans, des suites d’une maladie rare, une « dissection aortique aigue »; laissant par là-même orphelins des millions de fans.

Il a produit de son vivant ce que d’aucun considère comme étant l’un des mangas les plus radical artistiquement parlant, à savoir Berserk.
Difficile de faire moins consensuel, moins marketing, plus noir, plus profond... Ce qui n’a pas empêché ce manga de connaître un succès planétaire.

Depuis ces débuts en 1991, les rythmes de parution s’essoufflaient de plus en plus. Nous étions nombreux à nous demander pourquoi… Il me semble que, maintenant, nous en connaissons la raison posthume.

En effet, si en occident les stars déballent toute leur vie intime en moins de deux sur les plateaux TV ou sur instagram, il en va différemment au Japon. Leur pudeur est telle qu’il ne nous parvient que très peu d’éléments sur la vie de ces hommes (Ce qui me les rend encore plus attachants, soit dit au passage).

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Que dire sur l’œuvre ?

Elle est laissée inachevée... Trop ambitieuse. Si immense qu’une simple vie d’homme ne put parvenir à en faire le tour.
Je ne saurai trop vous recommander en particuliers les treize premiers tomes, qui représentent à mon sens une œuvre majeure du XXème siècle, toutes catégories confondues.

Quant à la profondeur psychologique… Imaginez que les œuvres de Sigmund Freud et de Carl Gustav Jung réunies puissent trouver une traduction picturale… Bon ben voilà. C’est fait.

Chaque planche, chaque case est si travaillée qu’elle pourrait sans problème constituer un tableau en soi.... Je vous laisse là-dessus.

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Bonjour à toutes et à tous.

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… Et si nous finissions la semaine sur une touche de légèreté ?

Voici Norman Rockwell, un illustrateur américain ayant produit l’essentiel de son œuvre durant la première moitié du XXème siècle.

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Outre la qualité de son dessin, ainsi que cette espièglerie si plaisante, l’intérêt de l’œuvre de Norman réside dans le fait que cette dernière s’inscrit dans une période charnière.

La photographie, ainsi que le cinéma, prennent progressivement leur essor dans les années 20. La peinture devient quant à elle de plus en plus abstraite. Les peintres figuratifs se dirigent donc, fatalement, vers l’illustration.

De cette cocotte-minute qui chauffe crescendo, émergera la bande dessinée, ainsi que son coreligionnaire : le dessin animé.

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Admirer les peintures loufoques et charmantes de Norman (qui continue encore par tradition à utiliser le chevalet, plus que la table de dessin), c’est déjà pressentir en filigrane walt disney et la Warner Bross Animation.

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Même la mise en scène de ses personnages fait plus penser à un angle de vue issu d’un film, qu’à une peinture traditionnelle. Norman, ayant reçu une formation de peintre classique, était très fortement influencé par Vermeer, Gérome, ou encore Chardin.
Or, pourtant, si son travail conserve encore un style empreint de classicisme, ce dernier se rapproche subrepticement , et de plus en plus, vers un style de dessinateur style bande dessiné contemporaine.

Il a été, et peut-être même sans le savoir, un trait d’union entre ses deux univers. Ce qui n’est pas sans nous le rendre hautement sympathique !

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Sakado

Francis